Kunstwerke, die man in Italien sehen sollte
Ein Leben würde nicht ausreichen, um all die Kunstwerke zu entdecken, die Italien beherbergt. Unser Land ist ein Schatzkästchen voller Schätze, die die Jahrhunderte überdauert und Grenzen überschritten haben. Die Meisterwerke der italienischen Kunst sind heute weltweit bekannt und verdienen es vor allem, von den Italienern selbst erkannt zu werden.
Die Liste der Kunstwerke, die man in Italien sehen sollte, wäre endlos; daher haben wir 15 Meisterwerke ausgewählt, die man bei einem hypothetischen Rundgang durch das Land nicht verpassen sollte.
Kunstwerke, die man in Italien sehen sollte
Die Geburt der Venus, Botticelli - Uffizien, Florenz
Die Geburt der Venus von Botticelli ist ein ikonisches Werk der italienischen Renaissance. Das berühmte Gemälde zeigt die Ankunft der Göttin der Liebe und Schönheit auf der Insel Zypern, geboren aus dem Schaum des Meeres und vom Wind Zephyr und möglicherweise Aura getragen. Die Göttin steht auf einer Muschel, rein und perfekt wie eine Perle. Sie wird von einer jungen Frau empfangen, die entweder eine der Grazien oder die Hora des Frühlings ist und ihr einen mit Blumen bedeckten Mantel reicht. Auch die von den Winden getragenen Rosen erinnern an den Frühling. Das Thema des Gemäldes, das Venus als Symbol von Liebe und Schönheit feiert, wurde möglicherweise vom Dichter Agnolo Poliziano angeregt. Das Werk wurde wahrscheinlich vom Haus Medici in Auftrag gegeben. Botticelli ließ sich von antiken Statuen inspirieren, um die schüchterne Haltung der Venus darzustellen, die ihre Nacktheit mit langen blonden Haaren bedeckt, deren Lichtreflexe durch den Einsatz von Gold erzielt werden; auch das Paar der Winde, das umarmt, ist eine Anspielung auf ein antikes Werk, ein Juwel aus der hellenistischen Zeit, das Lorenzo de' Medici gehörte. Die Venus von Botticelli ist zum Kanon universeller weiblicher Schönheit erhoben.
Der Frühling, Botticelli - Die Uffizien, Florenz
Der Frühling symbolisiert die Wiedergeburt der Natur durch die Liebe. Botticellis Gemälde zeigt neun Figuren der klassischen Mythologie, die auf einer blühenden Wiese in einem Orangen- und Lorbeerhain schreiten.
Von rechts nach links betrachtet sieht man im Vordergrund Zephyr, der die Nymphe Chloris umarmt und schwängert, die kurz darauf als Flora, die Göttin der Blüte, dargestellt wird. Im Zentrum der Komposition, leicht zurückgesetzt, stehen die Göttin der Liebe und der Schönheit Venus, schamhaft gekleidet, und Amor, dargestellt mit verbundenen Augen, während er den Pfeil der Liebe abschießt. Links tanzen die drei Grazien, kleine Wohltäterinnen, die Venus nahe stehen, im Kreis. Die Komposition schließt mit Merkur, dem Boten der Götter, der mit Helm und geflügelten Sandalen eine Wolke berührt. Auch wenn die komplexe Bedeutung der Komposition geheimnisvoll bleibt, feiert das Werk die Liebe, den Frieden und den Wohlstand. Die Vegetation wird von Botticelli sorgfältig dargestellt, der eine genaue Beobachtung der Realität anstellt. Auf der Wiese wurden etwa 500 Arten von Pflanzen und Blumen identifiziert. Das Gemälde wurde für Lorenzo de' Medici, der es in seiner Villa in Castello aufhängen ließ, angefertigt.
David, Michelangelo - Galerie der Akademie, Florenz
Giorgio Vasari, Maler, Architekt und Kunsthistoriker, beschrieb Michelangelos David als die schönste Skulptur, die je geschaffen wurde. Das Werk zeigt den biblischen Helden im Moment vor dem Kampf gegen Goliath. Der Auftrag für das Werk wurde am 16. August 1501 an Buonarroti von den Arbeitern der Kathedrale von Florenz vergeben, für einen Lohn von 400 Dukaten. Nach drei Jahren Arbeit präsentierte Michelangelo die riesige Skulptur, die 5,17 Meter hoch und über fünf Tonnen schwer ist, was sofort Staunen und Bewunderung hervorrief. Es wurde beschlossen, eine Kommission von Künstlern zu bilden, zu der auch Leonardo da Vinci gehörte, um zu entscheiden, wo das Meisterwerk aufgestellt werden sollte.
Am 25. Januar 1504 entschied die Kommission, dass der David am Eingang des Palazzo Vecchio, als Emblem der Stärke und Unabhängigkeit der Florentiner, aufgestellt werden sollte. Am 8. September 1504 wurde die Statue der Stadt enthüllt, was allgemeine Bewunderung hervorrief.
Ursprünglich waren einige Teile vergoldet: ein Kranz auf dem Kopf, der Rumpf hinter dem rechten Bein und die Schleuder. Heute befindet sich David in der Galerie der Akademie.
Das letzte Abendmahl, Leonardo da Vinci - Refektorium von Santa Maria delle Grazie, Mailand
Das letzte Abendmahl, auch bekannt als Das Abendmahl, wurde zwischen 1494 und Anfang 1498 gemalt und gilt als das vielleicht wichtigste Wandgemälde der Welt, das von Giorgio Vasari in seinen Leben als "ein wunderschönes und wunderbares Werk" beschrieben wird. Der Maler, Architekt, Bildhauer, Ingenieur, Erfinder, Mathematiker, Anatom und Schriftsteller Leonardo da Vinci verkörpert das Ideal eines polyhistorischen Menschen, das im italienischen Renaissanceideal erträumt wurde. Das Abendmahl ist vielleicht das vollständigste Zeugnis seines vielfältigen Genies, seines Wunsches zu experimentieren und seiner unermüdlichen Neugier. In der Zeit, in der er an dem Gemälde arbeitete, dem letzten Jahrzehnt des 15. Jahrhunderts, war Leonardo auch mit Studien über Licht, Klang, Bewegung sowie über menschliche Emotionen und deren Ausdruck beschäftigt. Diese Interessen finden sich im Abendmahl wieder, wo, mehr als in jedem anderen seiner Werke, Leónardos Aufmerksamkeit für die Darstellung, durch Körperhaltungen, Gesten und Ausdrücke, von dem, was er selbst als "Bewegungen der Seele" bezeichnete, offensichtlich ist.
Seit September 1980 wurden das Abendmahl sowie die Kirche und das Dominikanerkloster von Santa Maria delle Grazie von der UNESCO zum Weltkulturerbe erklärt. In den Gründen wird erwähnt, dass "das Abendmahl einen erheblichen Einfluss ausgeübt hat, nicht nur auf die Entwicklung eines ikonographischen Themas, sondern auch auf das Schicksal der Malerei", und schließlich "ist es nicht übertrieben zu sagen, dass seine Schaffung eine neue Ära in der Geschichte der Kunst eingeleitet hat". Das Werk kann nur mit einer Reservierung besucht werden, da die Anfragen überwältigend sind.
Die Erschaffung Adams und das Jüngste Gericht, Michelangelo - Sixtinische Kapelle, Vatikanische Museen, Rom
Die Erschaffung Adams ist wahrscheinlich das berühmteste Fresko der Sixtinischen Kapelle, das Michelangelo 1511 schuf und sich an der Decke befindet. Michelangelo ließ sich von der Bibelstelle inspirieren: "Gott schuf den Menschen nach seinem Bilde; / nach dem Bilde Gottes schuf er ihn" (Genesis 1, 27).
Der Moment der Schöpfung des Menschen hat also den Kontakt zwischen den Fingern des Schöpfers und denen von Adam zum Schwerpunkt, durch den der Hauch des Lebens übertragen wird. Gott, von fliegenden Engeln unterstützt und in einen Mantel gehüllt, neigt sich zu Adam, der als ruhender Athlet dargestellt wird, dessen Schönheit die Worte des Alten Testaments zu bestätigen scheint, die besagen, dass der Mensch nach dem Bild und Gleichnis Gottes geschaffen wurde. Gegen Ende 1533 beauftragte Klemens VII. de' Medici (Papst von 1523 bis 1534) Michelangelo, die Dekoration der Sixtinischen Kapelle durch die Malerei des Jüngsten Gerichts an der Wand hinter dem Altar weiter zu modifizieren.
In diesem Fresko wollte Michelangelo die glorreiche Rückkehr Christi im Licht der Texte des Neuen Testaments darstellen. Der Künstler begann mit dem grandiosen Werk im Jahr 1536 und vollendete es im Herbst 1541. Michelangelo hat seine außergewöhnlichen künstlerischen Fähigkeiten genutzt, um die Sixtinische Kapelle zum "Zufluchtsort der Theologie des menschlichen Körpers" zu machen, sagte dann Johannes Paul II. Diese prächtige Komposition konzentriert sich auf die dominierende Figur Christi, erfasst im Moment, bevor das Urteil verkündet wird. Neben Christus ist die Jungfrau, die ihren Kopf in einer Geste der Resignation wendet: sie kann schließlich nicht mehr in die Entscheidung eingreifen, sondern nur auf das Ergebnis des Urteils warten. Auch die Heiligen und die Ausgewählten, die sich um die beiden Figuren von Mutter und Sohn gruppieren, warten ungeduldig auf das Urteil. In der unteren Band, in der Mitte wecken die Engel der Apokalypse die Toten mit dem Klang langer Trompeten; links steigen die Auferstandenen zum Himmel, um ihre Körper zurückzuholen, rechts wetteifern Engel und Dämonen darin, die Verdammten in die Hölle zu stürzen. Schließlich führt Charon mit seinen Rudern, zusammen mit den Dämonen, die Verdammten in sein Boot, um sie vor den infernalischen Richter Minos zu bringen, dessen Körper von einer Schlange umwunden ist.
Pauline Borghese Bonaparte als Siegerin Venus, Antonio Canova - Galerie Borghese, Rom
Das Werk wurde 1804 von Antonio Canova auf Auftrag des Prinzen Camillo Borghese in Ehren seiner jungen Frau, der Schwester des Kaisers Napoleon Bonaparte, angefertigt. Nicht ohne Aufsehen unter den Zeitgenossen, verkörperte die Prinzessin die Göttin Venus, siegreich im Urteil des Paris, um ihren sozialen und dynastischen Rang sowie ihre gefeierte Schönheit zu betonen.
Pauline liegt halbnackt auf einem lackierten Holzsofa, verziert mit goldenen Applikationen, während sie zwischen ihren dünnen Fingern den Apfel präsentiert, der der Göttin als Zeichen der Anerkennung ihrer Überlegenheit unter den weiblichen Gottheiten zugeschrieben wird. Antike Anmut und kompositorische Kunstfertigkeit verbinden sich mit der naturalistischen, fast malerischen Darstellung der sanften Hauttöne und der leichten Gewänder, die ihre Hüften bedecken. Pauline Borghese ist ein Meisterwerk der neoklassizistischen Skulptur von Canova, das in der Galerie Borghese in Rom ausgestellt ist. Um die berühmteste Statue von Amor und Psyche zu sehen, muss man dagegen ins Louvre-Museum nach Paris reisen.
Raub der Proserpina, Gian Lorenzo Bernini - Galerie Borghese, Rom
Die Skulptur stellt den Raub der Proserpina durch Pluto, den Gott der Unterwelt, dar.
Der Mythos, der sowohl bei Claudian (De raptu Proserpine) als auch bei Ovid (Metamorphosen) zu finden ist, erzählt von der Entführung des Mädchens am Ufer des Pergusa-Sees, in der Nähe von Enna. Ihre Mutter Ceres, die Göttin der Ernte, überkommt der Schmerz und reduzierte das Land zur Dürre, was Jupiter zwang, bei Pluto zu intervenieren, um der jungen Frau zu erlauben, für sechs Monate im Jahr zu ihm zurückzukehren. Bernini zeigt den entscheidenden Moment der Aktion: die furchtbar und gefühllos wirkende Gottheit zieht Proserpina in die Unterwelt, während ihre Muskeln angespannt sind, um den sich wehrenden Körper zu halten, so dass Plutos Hände in ihr Fleisch eindringen. Bei der Ausführung des Werkes schaute Bernini auf den Virtuosismus der manieristischen Bildhauer. Der Wahrheit der Aktion, die durch die intensive Studie antiker Modelle gesucht wird, verbindet Bernini die plastische Kraft, die Ausdrucksstärke des Mädchens und die Freiheit der Erfindung, die bis an die physischen Grenzen des Marmors reicht.
Die Fresken von Giotto in der Scrovegni-Kapelle, Padua
Die Scrovegni-Kapelle in Padua beherbergt die berühmten Fresken von Giotto, die als ein Meisterwerk der italienischen und europäischen Malerei des 14. Jahrhunderts gelten. Es ist der vollständigste Zyklus von Fresken, den der große toskanische Meister in seiner Reife geschaffen hat, vermutlich zwischen 1303 und 1305.
Der bildliche Zyklus erstreckt sich über die gesamte Innenfläche der Kapelle und besteht aus 39 Episoden aus dem Leben der Jungfrau und dem Leben Christi, die in Rahmen entlang der Seitenschiffe und des Triumphbogens bemalt sind. Die gesamte Wand der Rückwand ist vom majestätischen Jüngsten Gericht eingenommen, zu dem man gelangt, indem man den 14 Figuren mit den Lastern und Tugenden in der unteren Zone der Wände folgt. Auch die Decke ist mit der Darstellung des Sternenhimmels dekoriert, die durch drei dekorative Bänder gegliedert ist.
Christus der Verborgen, Giuseppe Sanmartino - Kapelle Sansevero, Neapel
Christus der Verborgen ist eine Perle der barocken Skulptur, die vom neapolitanischen Künstler Giuseppe Sanmartino im Jahr 1753 geschaffen wurde. Es gilt als eines der größten Meisterwerke der Skulptur aller Zeiten, das bereits seit dem 18. Jahrhundert illustre Reisende anzieht, darunter Antonio Canova, der Marquis de Sade, der argentinische Schriftsteller Hector Bianciotti und Riccardo Muti unter den Neueren. Es ist eine lebensgroße Marmorskulptur, die Jesus Christus tot darstellt, bedeckt mit einem durchsichtigen Leichentuch, das aus demselben Block wie die Statue gefertigt ist. Das Besondere ist die Transparenz des Tuches, das so aussieht, als wäre es auf dem Körper Christi niedergelegt, in Wirklichkeit aber das Produkt der geschickten Hand des Künstlers ist.
Über Jahrhunderte hinweg wurde fälschlicherweise angenommen, es handele sich um einen alchemistischen Prozess der Marmorierung des Tuches, durchgeführt vom Prinzen von Sansevero, dem Auftraggeber des Werkes, der für seinen Ruf als Alchemist bekannt war. Die vorstehende Vene, die auf der Stirn noch pulsiert, die Einstiche der Nägel an Füßen und Händen sowie die eingesunkene und entspannte Brust im Tod sind Zeichen der intensiven Suche Sanmartinos. Die wunderbare Skulptur ist somit eine dramatische Evokation, die das Leiden Christi zum Symbol des Schicksals und der Erlösung der gesamten Menschheit macht.
Die Bronzen von Riace - Nationales Archäologisches Museum von Reggio Calabria
Die Bronzen von Riace gelten als einige der bedeutendsten Zeugnisse der klassischen griechischen Kunst. Es handelt sich um zwei bronzene Statuen, die zwei nackte Männer darstellen, die ursprünglich mit Schild und Speer bewaffnet waren und zum Symbol der Stadt Reggio Calabria wurden. Die Bronzen, die heute im Archäologischen Museum von Reggio Calabria ausgestellt sind, wurden 1972 in außergewöhnlichem Erhaltungszustand auf dem Grund des Ionischen Meeres in der Nähe von Riace Marina von einem passionierten Taucher während eines Tauchgangs in etwa 200 Metern Entfernung von der Küste und in einer Tiefe von 8 Metern gefunden.
Die Hypothesen über die Herkunft, Datierung und Autoren der Statuen sind unterschiedlich. Es wird vermutet, dass die Bronzen während eines Sturmes ins Meer geworfen wurden, um das Schiff, das sie transportierte, zu erleichtern oder dass das Boot selbst mit den Statuen gesunken ist. Mit einer Höhe von 1,98 und 1,97 Metern und einem Gewicht von 160 kg stammen die Statuen wahrscheinlich aus der Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr. und wurden sicherlich in Argos, im Peloponnes, angefertigt.
Bacchus, Caravaggio - Uffizien, Florenz
Das Gemälde gehört zur ersten Jugendserie von halbfigurigen Werken des Caravaggio "im Licht", zu der Werke wie der Obstverkauf in der Galerie Borghese in Rom, der Knabe, der vom Eidechsen gebissen wird, in der Fondazione Longhi in Florenz, und der Obstkorb in der Pinakothek Ambrosiana in Mailand gehören. Caravaggio, der in der ersten Dekade des 17. Jahrhunderts in Rom eine Revolution in der Malerei einleitete, die ganz Europa erfasste, zeigt in diesem Werk eine meisterhafte naturalistische Wiedergabe der Pflanzenwelt. Überraschtreich ist die Darstellung des Obstkorbs und des Weinglases, das Gott anbietet, von einigen Forschern als eine Erinnerung an das eine Leben in Bescheidenheit, Geselligkeit und Freundschaft interpretiert. Die skulpturale Figur des Bacchus mit dem vom Wein benebelten Gesicht ist inspiriert von Modellen klassischer Kunst, insbesondere von Portraits Antinoos, und scheint von einer trägen Sinnlichkeit durchdrungen zu sein. Mina Gregori hat darin eine besondere Sicht auf die Antike gelesen, die die Freiheit der Sinne verherrlicht, und einen Bezug zu den initiatorischen Riten und den bacchischen Verkleidungen, die in Rom praktiziert wurden. Das Werk stammt aus der Jugendzeit des Malers, als er sich unter dem Schutz des Kardinals Francesco Maria del Monte in Rom aufhielt. Dieses Gemälde wurde zusammen mit der Medusa vom Kardinal del Monte an Ferdinando I de' Medici anlässlich der Feier der Hochzeit seines Sohnes Cosimo II im Jahr 1608 gespendet.
Die Pietà, Michelangelo - Petersbasilika, Rom
Die Pietà wurde zwischen 1497 und 1499 geschaffen und gilt als Michelangelos erstes Meisterwerk sowie als eines der bedeutendsten Beispiele der westlichen Kunst. Die Skulptur stellt die Jungfrau Maria dar, die den toten Christus in ihren Armen hält.
Traditionell wurde die Szene mit einer gewissen Starrheit dargestellt, aber Michelangelo gab ihr eine vorher nie dagewesene Natürlichkeit und Fließfähigkeit, wobei sich die beiden Figuren in einer berührenden Intimität vereinen und eine spezielle pyramidenförmige Struktur schaffen, die auf den weiten Gewändern Marias basiert. Der herausragende Felsen, auf dem die Jungfrau sitzt, symbolisiert den Berg Golgatha. Zunächst in der Kapelle Santa Petronilla platziert, wurde sie 1517 in die Petersbasilika im Vatikan verlegt.
Die Ekstase der heiligen Teresa von Avila, Bernini - Kirche Santa Maria della Vittoria, Rom
Die Ekstase der heiligen Teresa von Avila ist eine Skulptur aus Marmor und vergoldetem Bronze, die von Gian Lorenzo Bernini zwischen 1645 und 1652 geschaffen und in der Cornaro-Kapelle in der Kirche Santa Maria della Vittoria in Rom aufgestellt wurde. Die Skulptur zeigt die heilige Teresa von Avila, die halb auf einer Wolke liegt, die sie in den Himmel erhebt. Über ihr, links, schießt ein Cherub einen Pfeil, um die Heilige ins Herz zu treffen, während er das Gewebe ihres Gewandes verschiebt. Die heilige Teresa trägt zudem ein sehr weites und fließendes Kleid, das vom Wind bewegt wird. Schließlich ist ihr Körper vollkommen entspannt und ihr Gesicht nimmt einen languorösen Ausdruck an. Ihre geschlossenen Augen richten sich zum Himmel und ihre Lippen sind leicht geöffnet. Bernini ließ sich von einer Passage in den Schriften der Heiligen inspirieren, in der sie eine ihrer mystischen Erfahrungen beschreibt, die als himmlische Entrückung bezeichnet werden (Heilige Teresa von Avila, Autobiografie, XXIX, 13). Das Werk ist auch als Transverberation der heiligen Teresa von Avila bekannt. Der Begriff Transverberation stammt vom lateinischen "trans verberare", was durchbohren bedeutet. Nach der mystischen katholischen Interpretation durchbohren Christus oder ein Engel das Herz des Gläubigen physisch mit einem scharfen Objekt. Der Pfeil, den der Cherub abschießt, ist somit das Symbol der göttlichen Liebe. Bernini inszeniert eine große theatralische Darbietung im vollen barocken Stil.
Die Fresken von Raffael in der Villa Farnesina, Rom
Die Villa Farnesina in Rom ist ein emblematisches Gebäude der Renaissancearchitektur des frühen 16. Jahrhunderts, die von den größten Künstlern dieser Zeit frescoed wurde. Insbesondere die Loggia von Amor und Psyche ist das Meisterwerk von Raffael Sanzio, der auf der Decke einen Zyklus von Fresken malte, inspiriert von den Ereignissen von Amor und Psyche, die aus Apuleius' Metamorphosen oder dem Goldenen Esel stammen.
Die als Ort der Erholung und des Genusses konzipierte Loggia eröffnete sich zum Garten und stellte den Haupteingang der villa trasteverina des reichen Händlers und Bankiers Agostino Chigi dar. In der Loggia bringt Raffael ein neues Konzept der dekorativen Malerei zum Ausdruck, indem er eine perfekte Osmose zwischen Innen- und Außenräumen schafft, sowohl durch die figürliche Anordnung der gesamten Decke mit der Fabel von Amor und Psyche, als auch durch die Ausführungstechnik der Girlanden von Giovanni da Udine. So verwandelt sich die loggia, die zum Garten öffnet, in einen einzigen pflanzlichen Laubengang, der die Liebesgeschichte anspricht, die von dem Mythos erzählt wird.
Die Mosaiken der Palatinenkapelle - Normannischer Palast, Palermo
Die Palatinakapelle ist eine Basilika im normannisch-byzantinischen Stil, die sich im architektonischen Komplex des normannischen Palastes in Palermo befindet. Sie wurde 1130 auf Wunsch von König Roger II. erbaut und zeichnet sich durch die Vermischung lateinischer, byzantinischer und arabischer Stile aus, die die kulturelle und politische Synthese der Normannen in Sizilien darstellt. Die Kapelle ist UNESCO-Weltkulturerbe und Teil des arabisch-normannischen Weges in Palermo und ist ein magischer Ort, den man mindestens einmal im Leben gesehen haben sollte. Was sie wirklich sprachlos machen wird, sind die Mosaike der Palatinenkapelle, die zu den bedeutendsten in Sizilien und die schönsten in Italien gehören. Werke von einheimischen und griechischen Künstlern, die originalen Mosaike byzantinischer Schule sind inspiriert von der Genesis, dem Leben Christi und den Aposteln Petrus und Paulus, den Heiligen, Engeln und Propheten, in einem Triumph aus Licht, das aus Millionen von goldenen Fliesen entsteht. Obwohl überwiegend religiösen Themas, enthalten die Mosaiken auch profane Szenen und Darstellungen von Flora und Fauna. Sie sind wahrscheinlich die einzigen ausgedehnten Zeugnisse von profanen Mosaiken der byzantinischen Schule, die bis heute erhalten geblieben sind.
Autor: Francesca Ferri
Artikelbild: © Franco Origlia/Getty Images