Caravaggio in Italien, die schönsten Werke zu sehen

Heute gilt er als einer der größten Interpreten der westlichen Kunst aller Zeiten, wurde jedoch lange Zeit vergessen. Michelangelo Merisi, bekannt als Caravaggio, machte sich weltweit einen Namen mit seinen realistischen, dramatischen und provokativen Werken.

Der mailändische Maler revolutionierte die Kunstgeschichte mit seiner Suche nach Naturalismus und seiner Technik des Chiaroscuro. Heute werden seine Gemälde in den wichtigsten Museen der Welt aufbewahrt, darunter der Louvre in Paris, das Prado in Madrid, die Eremitage in St. Petersburg, aber zahlreiche Werke sind auch in den verschiedenen Museen, Kirchen und Kapellen Italiens ausgestellt.

Hier sind die schönsten Werke von Caravaggio in Italien zu sehen.

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Das Gemälde gehört zur frühen Schaffensperiode von Caravaggio und umfasst Werke wie den Obstverkäufer, der in der Galleria Borghese in Rom, der Junge, von einem Eidechse gebissen aus der Fondazione Longhi in Florenz, und der Obstkorb von der Pinacoteca Ambrosiana in Mailand ausgestellt ist. Caravaggio, der in Rom in der ersten Dekade des 17. Jahrhunderts eine Revolution in der Malerei einleitete, die ganz Europa beeinflusste, zeigt in diesem Werk eine meisterhafte naturgetreue Darstellung der Pflanzenwelt. Besonders auffällig ist die Darstellung des Obstkorbs und des Weinglases, das von Gott angeboten wird, von einigen Experten als Horazianische Einladung zu einem beschaulichen Leben, zu Geselligkeit und Freundschaft interpretiert.

Die skulpturale Figur des Bacchus mit einem benebelten Ausdruck ist von klassischen Kunstmodellen inspiriert, insbesondere von den Porträts des Antinoos, und strahlt eine träge Sinnlichkeit aus. Mina Gregori sieht darin eine besondere Vision der Antike, die die Freisinnigkeit der Sinne lobt, sowie einen Verweis auf die Initiationsriten und die Bacchanal-Kostüme, die in Rom praktiziert wurden. Das Werk stammt aus der Jugendzeit des Malers, als er in Rom unter dem Schutz von Kardinal Francesco Maria del Monte stand. Dieses Gemälde, zusammen mit der Medusa, wurde vom Kardinal del Monte an Ferdinando I de' Medici anlässlich der Feierlichkeiten zur Hochzeit seines Sohns Cosimo II im Jahr 1608 geschenkt.

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Das Gemälde wurde wahrscheinlich in Neapel geschaffen, wo Caravaggio, der 1606 aus Rom geflohen war, wegen Mordanklage im Exil lebte. Das Werk stellt den Sieg des Helden von Israel über den philistäischen Riesen Goliath dar. David jedoch zeigt keine stolze Siegerpose, während er den abgetrennten Kopf von Goliath hält und betrachtet; sein Ausdruck ist vielmehr Mitleid mit diesem "Sünder", in dessen Gesicht Caravaggio sein eigenes Selbstporträt dargestellt haben soll. Die Beschreibung von Goliaths Gesicht, so lebhaft ausdrucksvoll mit der gerunzelten Stirn, dem weit offenen Mund für den letzten Atemzug, dem leidenden Blick und dem leblosen Teint, stellt das Ergebnis des menschlichen Dramas dar, das der Künstler durchlebt hat. Die Inschrift auf dem Schwert "H.AS O S" wurde von der Kritik mit dem agustinischen Motto Humilitas occidit superbiam interpretiert. Der biblische Vorfall wird somit zu einem eindrucksvollen Zeugnis der letzten Lebensmonate von Caravaggio, was die Hypothese plausibel macht, dass der Maler die Leinwand an Kardinal Scipione Borghese geschickt hätte, um sie an Papst Paul V. als Geschenk zu überreichen, um Verzeihung und Rückkehr in die Heimat zu erwirken. Die Gnade wurde gewährt, aber Caravaggio starb, fast am Ende der Reise nach Rom, unter mysteriösen Umständen am Strand von Porto Ercole.

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(Foto: © Franco Origlia/Getty Images)

Es ist wahrscheinlich das bekannteste Werk in der Sammlung des Kardinals Federico Borromeo, dem ursprünglichen Kern der Pinacoteca Ambrosiana, und wird zu Recht als eine Art Prototyp der "Stillleben" betrachtet. Das Gemälde zeigt einen Korb aus Weiden, aus dem Früchte und Blätter überquellen, die mit großer Realitätsnähe und Liebe zum Detail ausgeführt sind.

Mehrfach spricht der Gründer der Pinacoteca Ambrosiana in seinen Schriften über dieses außergewöhnliche Gemälde und behauptet, er habe vergeblich nach einem Werk gesucht, das ihm ebenbürtig sein könnte, aber es "aufgrund seiner unvergleichlichen Schönheit und Exzellenz blieb allein". Der Obstkorb wurde vielfach interpretiert, auch religiösen Charakters; zweifellos stellen die extrem realistischen Darstellungen der frischen und schon verfaulten Früchte sowie der Blätter, die sich zunehmend zusammenrollen und vertrocknen, den unaufhaltsamen Lauf der Zeit dar.

Caravaggio stellt die legendäre Medusa dar, die mit nur einem Blick die Menschen in Stein verwandelt, und das auf einem Parade-Schild, typisch für das 16. Jahrhundert. Der Kopf der Medusa wird abgetrennt vom Körper, in die Hand von Perseus. Ihr Gesichtsausdruck ist voller Pathos, da die mythologische Figur im Moment des Schreiens erfasst wird. Bemerkenswert ist der Realismus des Meisters in der Darstellung des Blutstrichs und der Schlangenhaare, die die Frisur der Medusa bilden. Am meisten überrascht die Fähigkeit von Caravaggio, die Wölbung des Schildes in eine scheinbare Wölbung zu verwandeln.

Junge, von einem Eidechse gebissen ist ein Ölgemälde, von dem es zwei fast identische Versionen gibt. Die erste, die sich in der Fondazione Longhi in Florenz befindet, ist sicherlich ein Werk des italienischen Malers Caravaggio. Die zweite, die sich in der National Gallery in London befindet, ist vielleicht zu einem großen Teil das Werk eines Schülers. Das Gemälde zeigt einen Jungen in einer ungeschickten Position, dessen Ausdruck sowohl schmerzhaft als auch überrascht wirkt, während er von einem Eidechse gebissen wird. Viele haben in dem Werk Hinweise auf das Vergnügen und die Qualen der Liebe gelesen: die Rose im Haar des Jungen, die entblößte rechte Schulter, die Kirschen und der weiße Jasmin wären Symbole dafür. Auch der Lichtreflex auf der Glaskaraffe verweist auf die optische Treue zur Realität, die in der lombardischen Schule in der Folge von Leonardos Studien entwickelt wurde.

Unter den am häufigsten akzeptierten Inspirationsquellen ist die Skizze Asdrubale, von einem Krebs gebissen oder Asdrubale, von einem Garnele, von Sofonisba Anguissola, datiert 1554, die dem Künstler während eines Briefwechsels mit dem Vater der Malerin geschickt wurde.

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Das Werk war der erste öffentliche und sakrale Auftrag von Caravaggio, wird jedoch als eines seiner größten Meisterwerke angesehen. Es befindet sich an der linken Wand der Contarelli-Kapelle in der Kirche San Luigi dei Francesi in Rom. Das Gemälde ist inspiriert von dem Evangeliumsereignis des Matthäus und zeigt den Moment, als Christus, begleitet von Petrus, auf Matthäus zeigt und ihn einlädt, ihm zu folgen. Matthäus sitzt wie in einer Wirtshaus-Szene an einem Tisch mit einer Gruppe anderer Gäste, die zeitgenössisch gekleidet sind und Geld zählen. Um die Dramatik des Moments zu betonen und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Protagonisten zu lenken, taucht Caravaggio die Szene in eine dichte Dunkelheit, aus der dank plötzlicher Lichtstrahlen Gesichter, Hände, Gesten und Haltungen hervortreten, während alles andere nahezu unsichtbar bleibt. Mehr als in anderen Werken ist die Chiaroscuro-Technik, in der Michelangelo ein Meister war, offensichtlich. Die wahre Protagonistin des Werkes ist somit das Licht, das von den Schultern Christi wie göttliche Gnade ausgeht und die Menschen überflutet, die jedoch offenbar frei entscheiden können, ob sie dem göttlichen Plan folgen oder nicht. Nur einige der Charaktere, die von dem Lichtstrahl betroffen sind, die Adressaten der "Rufung" zusammen mit Matthäus, zeigen, dass sie von der Figur Christi angezogen werden, während andere von weltlichen Beschäftigungen abgelenkt sind. Mit großem Staunen zeigt Matthäus auf sich selbst, als ob er Christus um Bestätigung bitten würde, dass der Auserwählte tatsächlich er ist.

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In diesem Gemälde, das in der Cerasi-Kapelle der Basilika Santa Maria del Popolo in Rom ausgestellt ist, stellt Caravaggio die Szene dar, die in den Apostelgeschichte beschrieben wird, das heißt den Moment, als Saulus von Tarsus, ein römischer Soldat zu Pferd, auf dem Weg nach Damaskus von einem strahlenden Licht geblendet wurde. Es war Christus, der von einem Lichtschein umgeben sagte dem Soldaten, er solle seine Soldatenleben aufgeben und die Christen nicht mehr verfolgen.

Caravaggio zeigt somit Christus nur durch ein einfaches und intensives Licht und lässt die Bekehrung Saulus aus seinen geschlossenen Augen und den nach oben gestreckten Händen hervortreten. Caravaggio bleibt, wie immer, der Realität treu.

Caravaggio malte das Mahl zu Emmaus zwischen 1605 und 1606, wahrscheinlich in Paliano, dem Lehen der Colonna, bei denen er Zuflucht gesucht hatte, nachdem er Ranuccio Tomassoni getötet hatte. Es gibt zwei Werke zu demselben Evangeliumsepos, dieses, das in der Pinacoteca di Brera in Mailand aufbewahrt wird, und ein zweites, das sich heute in der National Gallery in London befindet. Die Darstellung des Tisches, der mit einem Teppich bedeckt ist, ist ein typisches Motiv von Caravaggio, das beide Versionen vereint. Im Gegensatz zu dem Gemälde der National Gallery zeichnet sich diese Version in Mailand jedoch durch eine größere Intimität und chromatische Essenz aus, zusammen mit einem dramatischen und theatralen Einsatz des Lichts, das die Heiligkeit des Moments unterstreicht.

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Es ist eines der kühnsten und rätselhaftesten Werke von Caravaggio. Auf einer einzigen großen Leinwand, die vom Pio Monte della Misericordia in Neapel in Auftrag gegeben wurde, sind die sechs Werke der Barmherzigkeit dargestellt, die von Christus im Evangelium des Matthäus annonciert werden, zu dem die Begräbnis der Toten hinzukommt.

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Caravaggio zeigt mit großer Realismus ein Gemisch aus Charakteren, inspiriert von Straßenmenschen, in einer komplexen Komposition von großer Theatralität, in der alles gleichzeitig dunkel und licht ist. Das Werk wird somit zu einem Bezugspunkt für die lokalen Maler, die an der gläubigen und spätmanieristischen Malerei gebunden sind, und eröffnet somit die neue Barock-Epoche des Naturalismus in Neapel.

Drei Figuren und ein rotes Tuch im Hintergrund genügen, um ein wahres Theater der Gegensätze zu schaffen: Dunkelheit und Licht, Alter und Jugend, Leben und Tod, Kraft und Zerbrechlichkeit. Judith ist eine Heldin des Alten Testaments, eine junge jüdische Witwe, die ihr Volk vor der Belagerung des assyrischen Heeres rettet.

Sie tut so, als möchte sie sich mit dem Feind verbünden, und tötet mit eigenen Händen den General Holofernes, nachdem sie im Lager mit einem prächtigen Festmahl empfangen wurde. Die Szene der Ermordung Holofernes durch Judith ist eine häufige Ikonografie seit dem 15. Jahrhundert, wurde jedoch noch nie mit solcher grausamen Spektakularität dargestellt. In Caravaggios Gemälde ist der Scimitar beim finalen Stich sichtbar, die Energie ihrer Hände und der angespannten Gliedmaßen von Holofernes ist spürbar, sein Mund steht weit offen in einem Schrei, der kurz davor steht, sich zu zerstreuen, und der Blutstrom hat seinen Fluss noch nicht aufgebraucht, als hätte Caravaggio beabsichtigt, die Aktion in ihrem Verlauf festzuhalten. Die Lichtquelle, oben links, strahlt auf die zarte Figur von Judith, deren Stirn zusammengezogen ist, in der Anstrengung, die schreckliche Handlung auszuführen; neben ihr ist die Dienerin Abra zu sehen. Dieses wichtige Werk von Caravaggio eröffnet die Phase der starken Kontraste zwischen Licht und Schatten. In Auftrag gegeben von dem Bankier Ottavio Costa, verlor das Gemälde jedoch über Jahrhunderte hinweg seine Spur und wurde erst 1951 fast zufällig von dem Restaurator Pico Cellini in der Familie gefunden, die im Besitz war.

(Foto: © DEA / G. NIMATALLAH / Getty Images)

Das Werk gilt heute als eines der Meisterwerke von Caravaggio, aber in der Vergangenheit haben der Erhaltungszustand, die starke dunkle Dominanz und die wesentliche Umsetzung viele Zweifel an der Autografie geäußert. Beauftragt von dem in Messina ansässigen Genueser Kaufmann Giovanni Battista de' Lazzari für die Kirche der Kreuzbrüder, stellt das Gemälde die Auferstehung des Lazarus dar, wie sie im Evangelium des Johannes beschrieben wird. Zwei Figuren dominieren die Szene: Jesus, der stehend in der Geste des Armes zeigt, die an die Berufung des Heiligen Matthäus erinnert, und Lazarus, der auf dem Weg ist, sich aus dem ewigen Schlaf zu erwecken. Gleichzeitig repräsentiert jedoch der Körper von Lazarus auch das Kreuz, das Symbol von Tod und Auferstehung Jesu.

Um Lazarus herum sind die beiden Schwestern Marta und Maria in einer gestochenen Liebesgeste versammelt. Im Hintergrund bemerkt man auch das Selbstporträt des Malers. Es ist ein Werk, das die große Reife von Caravaggio offenbart, der nun alle Geheimnisse seiner Kunst zeigt, von der großen Fähigkeit, Gemütszustände darzustellen, bis hin zur Theatralität und zum Chiaroscuro.